论小提琴演奏中左手技术的训练及音乐表现力

练，做到速度可快可慢，幅度可大可小，频率可疏可密，应尽量克服或避免出现神经痉挛式的抖动。在揉弦训练的最初时，应该在保持松弛的前提下让手指关节有节奏地来回揉动，以保证手指揉动能够做到均匀，同时在节奏的限制下进行手指的替换练习，最终做到控制自如，以便使揉弦形成连绵不断的效果，避免因为换手指而造成明显的停顿、破坏旋律的连贯性及歌唱性，让人产生不够流畅舒展的感觉，影响整体的演奏效果。当然，并不是说每个音都要揉弦，有时有些音符是不需要揉的。松弛而富于色彩变化的揉弦，能够给我们演奏增添无穷的魅力。

三、认识放松及学会放松

　　放松，对于一个学习小提琴演奏的人而言，是一个应时刻引起注意的问题。首先，应该正确去认识放松。演奏中的放松不能等同于一般意义上的放松，人处于最放松状态是睡觉的时候，但这种状态下，毫无疑问是无法进行演奏的。可见，我们所谈论的放松，是一种演奏上的相对放松，而不是绝对的放松及普通概念中的放松。演奏上的放松是指我们能够轻易地、随意地、毫不费力地达到演奏乐器及表现音乐的技术要求的肌肉运动状态，这种放松，从小理上、生理上说都具有一定的紧张状态，但又让我们能够从心理上及生理上从容地、轻易地、随心所欲地去演奏并表现出动人的音乐。其次，还应该学会在舞台上演奏不问断的情况下进行放松调整，为接下来的演奏做好充分的准备。当我们在台上演奏的时候，心理上及生理上必定具有一定的紧张状态，这种紧张状态会产生一定的兴奋感，同时，一首音乐作品当中，有一些技术困难片段，当我们演奏这些片段时，肯定会相对地在心理、生理上产生紧张感，如果我们不能适当地在这些片段之后，在演葵不间断的情况下进行放松调整，那么将会使心理、生理上一直处于紧张的状态，容易产生疲劳、这必然对演奏产生不良的影响，乃至出现失误，破坏整体表演效果。所以，我们应该多寻找机会走上舞台表演，在台上去体验和磨练，因为在台上的感觉，是平时在台下难以体会到的。如果能够经常上台表演、就会增加我们的舞台经验，能够在舞台上保持一种心理上、生理上相对自然及放松的状态，更能应付舞台上的变化，更容易引起灵感，从而使演奏变得生动、有光彩。在平时的练习中可以尝试做一种技术处理，如在演奏完技术困难片段之后，在技术相对较容易的乐段中，通过揉弦时变换左手的拇指位置，或松开左手的拇指，或摆动左手肘部等办法，让手臂、手指在生理上得到一些放松和调整，从而避免让肌肉产生僵硬而引致疲劳及心理上的恐慌。总之，要从多方面去寻求自己行之有效的办法去解决好放松的问题。一场几乎没有技术上失误及具有动人音乐美感的舞台上的演奏，将是每个演奏者所梦寐以求的近乎完美的境界，这将是何等的动人及令人陶醉的体验，而这一切得以实现的前提和基础，就是放松。

四、左手的音乐表现力

　　小提琴声音的发出，当然主要是由右手的运弓来完成的。但是，左手的一些技术因素也是不能忽略的，如按弦的手指肉垫、音谁是否适当、手指的放松程度等因素，特别是在音乐表现力方面，左手更是起着不可低估的作用。扬波尔斯基《小提琴指法概论＞第二十四章中说道："抒情调(动听的歌唱性曲调)是小提琴演奏表现力的主要源泉。小提琴的优点(它的歌唱性)不仅有赖于右手的演奏技术(运弓--发音连贯、流畅、均匀)，而且也决定于左手的技术(左手从某音向另一音的换把方法，乐音的连接)。"[2]可见，左手在小提琴演奏的音乐表现力方面，起着很重要的作用。可以这么说，歌唱性是小提琴演奏艺术感染力的第一生命，也是其长盛不衰的艺术生命力的源泉。

　　左手的音乐表现力，主要是通过这几个方面来体现：指法的选择、触弦的变化及音乐变化、滑音、手指的重音、揉弦的变化运用等。

　　首先，一种好的或者是适当的指法，它必须以方便、省力为前提，然后，应该把音乐放在第一位，一切服从音乐的需要。这当中当然涉及到了作品、作曲家的风格及时代背景等问题，选择指法首先考虑的是上述的因素，在遵从这一原则的前提下，可根据个人的气质、个性、审美情趣或习惯，选择一种适合自己而又能充分表现音乐表情的指法。

　　 手指触弦角度的改变，可直接改变手指按弦的肉垫，对音色产生一定的影响。在演奏快速乐段的时候，手指可考虑选择一个较为垂直的角度，以便手指能更加灵巧、清晰。而在演奏抒